osume의 숨은 예술: @kalonsugi와 대화하다

처음 예술을 창작하게 된 계기는 무엇이며, 시간이 지남에 따라 스타일이 어떻게 발전했나요?

예술은 항상 제 삶의 일부였습니다. 어렸을 때 첫 취미였고, 저와 함께 계속 이어져 온 취미이기도 합니다. 조각에서 인물화, 정물화에 이르기까지 손에 닿는 모든 것을 했습니다. 처음에는 극사실주의에 몰두했지만, 시간이 지남에 따라 저만의 스타일을 발전시키기 시작했습니다. 일러스트레이션으로의 여정은 학교 때문에 집을 떠나면서 모든 미술 용품을 집에 두고 왔을 때 시작되었습니다. 아이패드만 남아서 디지털 아트를 시작하기로 결정했습니다. 그때는 그것이 제 주요 미디어 형태가 될 줄은 몰랐습니다.

당시 저는 의료 과학을 공부하고 있었고, 일러스트레이션은 집에서 멀리 떨어진 끝없는 밤샘 공부에서 벗어나 상상 속의 탈출을 시각화하고 계획하는 방법이었습니다. 제가 그리는 대부분의 풍경은 제가 그 순간 있고 싶은 장소이며, 밝고 아늑하며, 저에게 그랬듯이 보는 사람에게도 많은 위로를 주기를 바랍니다. osume의 일원이 된 것은 이러한 동일한 감정을 더 의도적이고 미니멀한 작품으로 번역하는 데 도움이 되었습니다.

오슈메(osume)를 위한 예술 작품을 만드는 창작 과정을 설명해 주시겠어요? 개념에서 최종 작품으로 어떻게 발전하시나요?

모든 프로젝트는 조금씩 다르게 시작됩니다. 때로는 특정 테마에 대한 강한 감정적 끌림이 있어서, 창립자와 제가 그 공유된 감정으로부터 작품을 만들어 나갑니다. 또 다른 때에는 명확한 비전과 함께 컬러웨이가 먼저 나오거나, 방향을 안내하면서도 탐색의 여지를 남겨둘 수 있는 충분한 맥락이 주어집니다. 그런 순간에는 색상들과 함께 앉아 의도를 시각적인 것으로 번역하는 데 도움이 됩니다. 예를 들어, 모리의 첫 번째 렌더링을 보았을 때, 저는 즉시 뭉툭하고 숲 같은 버섯 캐릭터를 만들고 싶다는 것을 알았습니다.

거기서부터 스케치 보드로 이동하여, 다양한 아이디어가 페이지에 어떻게 나타날지 탐색하기 위해 작은 섬네일을 만듭니다. 무언가 발전시킬 가치가 있다고 느껴지면 팀과 공유하고 피드백을 수집하며, 개념을 강화하거나 부드럽게 방향을 전환하는 데 도움이 되는 참조 이미지를 함께 사용합니다.

점점 더 많은 키캡이 출시되고 있는데, 매번 어떻게 그렇게 새롭고 재미있는 디자인을 생각해내나요? 주로 어디에서 영감을 받으시나요?

모든 아이디어는 어떤 형태든 인풋에서 비롯된다고 생각합니다. 이는 책, 영화, 음악, 여행, 심지어 다른 예술가들의 작품에서 나올 수도 있습니다. 저는 주변의 모든 것에서 아이디어를 짜내려고 노력합니다. 제 아이디어의 대부분은 여행, 특히 아시아를 방문할 때 나오는데, 그래서 제가 하는 대부분의 작품에는 어떤 아시아적인 요소가 있습니다.

일러스트레이션을 진지하게 시작한 이래 가장 기억에 남는 순간은 일본 지브리 박물관을 방문했을 때였습니다. 저는 항상 지브리 팬이었고 제 작품에 큰 영향을 미쳤지만, 지브리 영화 한 편 한 편에 생명을 불어넣는 사고 과정, 스케치, 노력을 직접 보는 것은 비현실적인 경험이었습니다. 그들의 가장 큰 강점은 삶의 소소한 것들에 대한 감상이라고 생각합니다.

제가 얻은 가장 큰 교훈은 항상 단순한 일상생활에서 영감을 찾으라는 것입니다. 그렇게 함으로써 공감할 수 있는 것을 만들고 익숙함에서 위안을 얻을 수 있다고 생각합니다. 이런 아이디어가 떠오르면 항상 즉시 메모하거나 스케치합니다. 제 메모 앱과 수첩은 우리 제품에 통합하고 싶은 아이디어의 무작위적인 생각과 스케치로 가득합니다.

오수메 아트를 만들면서 특별히 어려웠던 점이 있었나요?

오수메 아트를 만드는 것은 저에게 엄청난 학습 곡선이었습니다. 제 캔버스는 갑자기 키캡 크기로 줄어들었고, 이로 인해 모든 선택에 의도적으로 접근해야 했습니다. 초기에는 제 아이디어들이 선의 굵기, 스케일, 색상에 제약되어 실행이 미흡하게 느껴졌습니다.

되돌아보면 재미있는 것이, 저는 매우 복잡한 그림을 그리다가 키캡에 몇 개의 선만으로 작업하게 되었습니다. 창립자와 저는 끊임없이 의견을 주고받았는데, 제가 세부적인 것을 가져가면 그녀는 "케이티, 너무 복잡해요!"라고 말하곤 했습니다. 그 과정을 통해 저는 불필요한 것을 덜어내고 적은 것으로 더 많이 소통하는 법을 배웠습니다. 시간이 지나면서 저는 과도한 디테일을 버리고 정말 중요한 것에 집중하는 것이 더 편해졌습니다. 이제 오수메 아트를 만들 때는 부드러움, 따뜻함, 미니멀리즘을 우선시하며, 필요한 최소한의 것으로 최대한 많은 것을 표현하려고 노력합니다.

저희는 2026년을 위한 새로운 세트를 작업하고 있습니다. 그 중 하나는 산속 숲에 사는 예티를 중심으로 합니다. 저는 이 캐릭터가 장난기 많고 모험심이 강한 성격을 가지기를 원했으며, 그의 크기와 대비되는 작은 새 친구를 주어 그에게 온화하고 친절한 특징을 부여하는 것이 귀여울 것이라고 생각했습니다. 눈치채셨겠지만, 이 새는 모리(mori)에 나오는 바로 그 작은 새입니다. 이 새는 사실 제가 만든 미니 "오수메 월드"를 위해 만든 반복 출연하는 캐릭터입니다. 다양한 인쇄물과 엽서에서도 그를 찾을 수 있습니다. 이것은 제가 다른 세트의 모든 캐릭터들이 연결되어 있다는 것을 은근히 암시하는 방식입니다!

현재 당신이 하는 일을 하고 싶어하는 동료 아티스트들에게 조언이 있다면?

아주 명백한 조언이지만, 계속 연습하고 자신만의 예술 스타일을 발전시켜 나가는 것입니다. 예술은 끝없는 배움의 여정이며, 저는 매일 배우고 있습니다. 저는 "독학" 아티스트이기 때문에, 작년에 제가 알고 있다고 생각했던 모든 것을 처음부터 다시 배우기 시작했습니다. 현재 구도, 형태, 색채 이론에 대한 이해를 향상시키기 위해 노력하고 있습니다.

결국 제품으로 만들어질 예술 작품을 만들 계획이라면, 최종 형태에서 당신의 작품이 어떻게 보일지 시각화하는 훈련을 끊임없이 해야 합니다. 제 경우를 예로 들면, 책상 매트의 예술 작품은 크기가 크게 확대될 것이라고 생각하기 때문에, 모든 것이 불편하게 거대해 보이지 않도록 적절하게 조정해야 합니다. Play75를 위해 애니메이션을 만들 때는 움직임이 너무 크거나 갑작스럽지 않도록 합니다. 왜냐하면 키보드 화면에서 동일한 애니메이션이 계속 반복되는 것이 시간이 지남에 따라 짜증 나게 하지 않기를 원하기 때문입니다. 제품 디자인 과정에 참여한다는 것은 항상 최종 제품이 어떻게 보일지 고려하는 것을 의미합니다.